【藝術簡介】

王關棣，陜西安康人。畢業于西安美術學院，進修于中國藝術研究院研究生院、北京大學藝術學院。主要研究方向為中國人物畫創作，兼及水彩。先后二十余次參加省級以上展覽并獲獎，其中三幅作品被中國國際奧委會、中國美術家協會、周恩來紀念館收藏。2019年，中國畫《遠古的祈禱》入選中華人民共和國文化和旅游部、中國文聯、中國美協主辦的第十三屆全國美展并獲進京資格。現為中國美術家協會會員，陜西省美術家協會會員。主要藝術兼職：陜西省中國畫學會理事、民盟中央美術院陜西分院理事，西安中國畫院畫家，安康學院藝術學院“雙師”專家、安康市群藝館特聘創作員研究員、駐館畫家。

《遠古的祈禱》 200CM×238CM  第十三屆全國美展進京作品

第十三屆全國美展中國畫展的后續思考

王關棣

第十三屆全國美展已經過去了一年了。展覽前后分別有一些評這屆國展（本文專指國畫展，下同）的文章，褒貶不一。五年一屆的展覽我連續看了三屆，三屆是15年的時間跨度，15年里中國美術應該有些跨越式發展，然而，我覺得實際上這15年中國美術發展基本停滯不前。下面，我就本屆展覽談談我的看法。

工筆畫多。本屆展覽從中國畫評獎結果看，金銀銅獎全是工筆（金獎作品李玉旺的《使命》本質上仍然是工筆）。據統計，本屆展覽約有一半的是工筆畫，上兩屆估計也差不多，有興趣的讀者朋友可以查閱作品集考證。工筆畫這些年的盛行，有其比較復雜的成因。參加十三屆開幕式期間，有一位比較有名氣的的畫家說的很有意思：盛世畫工筆，是不是這樣呢，我沒作詳細考證。我想說一個現象：很多畫家在年輕時候都畫過工筆，或者作品都很寫實，到壯年以后，作品慢慢向寫意發展。這至少說明了一個問題：寫意畫是隨著畫家的筆墨修煉、思想沉淀才會達到一定高度。這些年，各院校的國畫方向的藝術生，他們的畢業創作往往是工筆畫，唯其工筆，才能貌似有成績，“像畫”。因此，我得出一個結論：工筆畫是作者不具備扎實的國畫（包括書法）修養的創作體現（這個指的是整體而言），說苛刻一些，或者作者不愿意在傳統筆墨書法上下功夫，然而為了參展（獲取名利迎合世俗），就制作出工筆畫來。北京有一個大家說：（制作）工筆畫是作加法，每畫一個小時，都有成績。工筆畫制作過程很慢，然而，是不是在態度上本質是浮躁的呢——急于求成。展覽上，工筆畫居多，恰恰是證明了社會的浮躁。當然，工筆畫的盛行也說明了社會全體審美的通俗性。另外，評委中有部分具有話語權的專家是畫工筆畫的，所以，工筆畫格外引起他的偏愛。他的話語權越大，寫意畫入選獲獎的機會越小，這真是對中國畫有扭轉乾坤的作用。容我再說幾句：工筆作品落款，往往寫“xx制”，一些創作班的指導老師說：稿子完成了，下面就看你咋制作了。大家都知道，中國畫是以“寫”為靈魂的，怎么就公然“制”起來了呢？

《大秦腔自樂班》

二、畫照片問題。的確，這些年美展作品畫照片的不在少處。本屆展覽中入選甚至進京作品中竟然被“人肉”出作品的原作照片。現在的媒體很發達，特別是照相技術簡直發展到了極致而普遍，一方面為畫家搜集素材提供了便利，也為畫家偷懶藏拙（速寫、寫生能力的欠缺）提供了便利。創作中不是不可以用照片，關鍵是怎么用。有一篇文章挖掘出了本屆展覽中很多被抄襲照片原圖，有幾幅確實流于“抄襲”，這種抄襲且不說創作態度如何，就畫畫這件事客觀地來說，抄襲的作品能入選，說明他還是有點判斷力，但是，發現自然畫面的美那是別人，與畫者什么關系呢，是你的審美眼光產生的么？

照相技術的運用幾乎是不可避免的，但是對相片素材的利用，畫家要拿出藝術創造力來“改造”照片，譬如人物畫，要深入觀察照片，體會照片人物的精神氣質、形貌特征，形體感覺，合理處理攝影照片的透視，然后反復畫速寫、素描稿，直至再造出一個新的藝術形象——如果這樣去用照片，即使是利用大眾熟知的圖片，也不會有抄襲之嫌。可以說，你的作品離原照越近，那抄襲嫌疑越大，反映你的藝術創造力也低。本屆展覽后有一些文章批評作者抄襲照片，可是批評的結果是“版權”問題，那就成了道德與法律范疇了，與藝術有什么關系呢，所以我說他批評的不得要領。

抄別人照片一方面大眾要質疑作者的藝術創造力，還要經受道德法律拷問。那抄自己的照片呢？畫家自己拍的照片素材，在拍照時候對象一定有讓你產生審美的地方，這一點是審美發現，屬于藝術范疇。但是在創作時候，對素材同樣有個“再發現、再創造”的過程，如果缺了這個過程，機械地去描摹照片，唯恐不像，那也是令人不屑的“抄襲”，只不過少了一層法律追問而已。

抄襲這事情，其實包括的范疇多了，譬如照搬別人的構圖（包括略作變動的），照搬別人的處理方法，照搬自己過去的某件作品。對抄襲的發現與懲戒，評審機構要有一套科學有效的辦法，因為它關乎中國藝術發展的生命力。

《岜沙晨光》180CM×235CM

三、國畫創新問題。本屆展覽中我參加了在中國美術館的進京作品研討會。有專家說，這屆中國畫與其他畫種有交融互鑒現象。在展覽中有若干幅作品引起了眾多觀眾的質疑。觀展中一些觀眾問我：這是國畫么？觀看作品，其材質、面貌、氣息，要么是油畫、丙烯畫、水粉畫，或者綜合材料繪畫，可以說，既沒有中國畫的思想內核，也沒有中國畫的模樣。中國畫畢竟是中國畫，它是一個根脈不曾中斷的藝術門類，核心思想在于中國的文化精神哲思，在于承載著氣韻生動的筆墨形式。這些年國家倡導文化自信，落實到中國畫，就是要堅信這一藝術門類在其他藝術門類前毫不遜色。研討會上，有位專家說：“西方的繪畫在向我們的寫意奔跑，我們卻向寫實奔跑”——寫實不是不可，但是專門朝材料、表現語言發力是舍本逐末，求其表去其質。十一屆全國美展開始呼喚中國畫的寫意精神，這十幾年過去了，每臨全國重大展覽，寫意畫依然不受重視，一方面確實寫意畫強差人意的問題，更重要的是，這個工筆的欣賞慣性和當代審美思潮，恐怕一時難以糾正。我們呼喚有更多的中國畫家堅守中國畫的寫意精神，不必過于關注“現實”、“立場”，多一些文化精神和對生命的思考。

中國畫創新要像人類的繁殖，上一代孕育下一代。下一代要有變化，那是根據成長環境與個體生命努力。不可能上一代是人，下一代就變成了猴子。

西化的“國畫”作品，是典型的文化不自信，何以入了評委的“法眼”，而進入這么重大的展覽的？

那種西化了的“國畫”，作者可以畫，建議移步其它畫種。

《正月里來是新年》176CM×230CM

四、作品大。本屆（也包括往屆）展覽，作品普遍比較大。展覽征稿啟示中載明“裝裱后寬不得超過200cm,高不得超過240cm”，大部分作者把這個規定用到了極限（包括本人）。全國美展作品大的問題，這些年也是“廣為詬病”之一方面。本次展覽后，有作者發表文章，質問大的問題。

作品好壞主要靠藝術思想、藝術語言來評定，畫無論大小，只要這兩方面充分表達，都是好畫。中國古代山水畫也有規格達到兩米及以上的作品。既然能接受小畫，為什么不能接受大畫呢？小品畫逸筆草草，盡可以欣賞其趣味性，也可以彰顯作者的心性，但是以小品畫的創作態度畫大畫，恐怕有問題。依我看，基本上小畫就像小夜曲，你一個人哼哼，兩三個人同時哼哼，都有它的趣味性。而大創作就像一部交響曲，弦樂、管樂、打擊樂，小到三角鐵，大到鑼鼓鋼琴，各司其職，這個龐大的樂隊，演奏出的作品意蘊豐厚、氣勢宏大，現代的美術館那么大的展覽空間，如果墻面上掛著咫尺小品，估計會有小氣之嫌。

大小畫容量不一樣，適宜氣場不一樣。大畫朝小畫，要簡略很多，欣賞體系也發生變化。小畫朝大里畫，要增加許多繪畫元素，要有大格局。

幾屆展覽上，有幾位非常優秀的寫意畫家，他們的作品就簡略的幾個形象，一兩塊大墨，畫很大，但吃虧，吃虧在空。他的畫如果縮小了，那無疑是好畫。

當然，那些為大而大，充斥密集物象的作品，畫大而格局不大，看起來乏味而累。

《民國名士辜鴻銘》

《八月泥土香》

《國樂之夢》

水彩畫系列

水彩 《田疇》

水彩 《秋云》

水彩 《雨潤秋色》

水彩 《老墻》